音楽史上におけるサンプリングの伝説的な使用例7選

2025年12月4日

サンプリングに関する歴史の深掘りと音楽のレッスンに備えてください。 ここでは、歴史上最も革命的だったサンプリングの使用例を厳選してご紹介します。

Photo by Florencia Viadana on Unsplash

70年代におけるデジタルオーディオ技術の初期の導入から、今日の包括的なツールキットに至るまで、サンプリングは非常に効果的で楽しい音楽制作の手法です。 クラウドベースのサンプルブラウジングが可能になった今日では、この芸術はほぼすべてのエレクトロニックミュージックのジャンルにおいて定番となっており、非エレクトロニックな作品にも登場することさえあります。

少し考えてみてください。 クラシックなインストゥルメンタルのジャンルは依然としてアンダーグラウンドな音楽シーンに生きており、ニッチなファン層にアピールしていますが、最近の商業音楽のほとんどはエレクトロニックなものです。 そして、制作された楽曲が象徴的で誰もがわかるようなサンプルを加工しているかどうかにかかわらず、ほとんどのプロデューサーは、常にではないにしても、時折自身のプロダクション全体で少なくともオーディオサンプルの一部を使用している可能性があります。 サンプルを使って新しいアイデアを思いつくのは難しいことかもしれませんが、それらがどのように音楽の歴史を変えてきたかを学ぶことは、きっとあなたの道を導いてくれるでしょう。

そこでこの記事では、サンプリングという芸術と実践を評価し記念するために時間を割き、音楽制作とパフォーマンスに革命をもたらした、この手法の最も象徴的で伝説的な7つの使用例を取り上げます。 無駄話はこれくらいにして、さっそく始めましょう！

最初のブレイクビーツ：The Winstonsの『Amen Brother』（1969年）

タイムマシンに飛び乗って、The Winstonsの『Amen Brother』がある1969年へと一気に戻ります。 このレコード単体だけで、その後の多くのジャンルの基礎となるDNAになったという事実があるため、最初に言及する価値があるはずです。 このトラックは歴史上最もサンプリングされたもので、Gregory Colemanによる6秒間のドラムソロです。

たとえその事実（サンプリング数）だけでトップの座に納得がいかないとしても、この素材がなぜこれほどまでに象徴的なのか、さらに深く掘り下げてみましょう。 Colemanのドラムソロは、想像し得るほぼあらゆる方法で再利用されてきました。 逆再生、タイムストレッチ、スライスして切り刻んだり、レイヤーしたり、その他さまざまな方法です。 このたった一つのドラムソロは、すべての人に創造的なインスピレーションへの道を開き、サンプルは心が思い描く限り無限に作り変えることができることを示し、プロデューサーたちを単純なリループ（再ループ）の先へと導きました。

初期のHip-Hop：Grandmaster FlashとDJ Cool Herc（1970年代後半）

Hip-hopは史上最も影響力があり人気のあるジャンルの一つへと成長しましたが、現代のラップを定義する巧みなライムや歌詞によるストーリーテリングはさておき、そのインストゥルメンタルの側面は根本的にサンプリングに基づいて構築されています。 その起源は1970年代まで遡ることができ、当時Cool Hercという名の孤独なDJが、ターンテーブル上でブレイクビーツをループさせたり拡張したりするという名案を思いつきました。

既存の作品を完全に新しいリリースへと再利用するという意味でのサンプリングとは見なされないものの、それは確かに、他のプロデューサーたちがさらなる革新を行うための舞台を整えるような独創的な方法で、既存の作品を操作するものでした。 DJ Cool Hercによるブレイクビーツの分離とループはHip-hopの基礎となる不可欠な要素であり、それによってブレイクダンサーやラッパーはリズムに合わせることができるようになり、音楽の上で自己表現をする新しい方法が生み出されました。

伝説以上の存在であるDJ Grandmaster Flash、すなわちDJ Cool Hercと同時代の人物に触れずにこのセクションを飛ばすことはできませんでした。 このパイオニアでありヒップホップ界でその名を知らぬ者はいない伝説的な存在である彼は、Cool Hercのアイデアを次のレベルへと引き上げ、ターンテーブルを楽器化し、かつてない方法でそれらと対話しました。 ターンテーブルのスクラッチ、バックスピン、カッティングを思い浮かべるとき、Grandmaster Flashこそがその創始者です。 彼の「Quick Mix Theory」もまたHercのドラムビートの分離に基づいて構築されており、ラッパーにさらなるスペースを与え、ラップ自体が歌詞をインストゥルメンタルと融合させることを可能にしました。

最初のメインストリームにおけるサンプリングの衝撃波：The Art of Noise（1983年～85年）

Fairlight CMIによって、The Art of Noiseは日常的な音（車のエンジン、割れるガラス、くしゃみ）をメロディックあるいはリズミカルな素材に変えることができました。 『Close (to the Edit)』や『Beat Box』といったトラックは、サンプリングを当時未踏だった芸術的な深みへと導き、この技術が単なるアンダーグラウンドな実験ではなく、メインストリームのPopでも使用できることを証明しました。

また、これらの作品はプロデューサーが本格的なサウンドデザイナーへと移行することを進化させ、常態化させ、制作のあらゆる面において、クリエイターとしてのより大きな主導権を彼らに与え、現代のエレクトロニックPopの音響的特徴への道を切り開きました。

実際、このトラックの最初の10秒間を聴き、車のイグニッションの創造的な使用法を耳にするだけで、あなた自身でサンプリングの魔法を聞くことができるでしょう。 トラックの残りの部分と、サンプリングされたすべての素材を聴けば、その要点がさらに痛感され、この象徴的なレコードの歴史的なサンプリングの重要性を理解することができるはずです。

Robert Finkは後にこのレコードを正式にサウンドコラージュと呼びました。 それは、耳へのキャンディ（ご褒美）を作り出すために芸術的な流儀で編集された、サンプリングされた音による美しいタペストリーです。

The Bomb SquadとPublic Enemy（1987年～1990年）

サウンドコラージュといえば、リストの次はThe Bomb SquadとPublic Enemyです。 彼らはそのコンセプトを全く新しいレベルへと引き上げることを決意し、しばしば単一のトラック全体で数十ものサンプルを編集しました。 彼らのアルバム『It Takes a Nation of Millions』は、再生時間全体を通して何百ものループを利用しており、限界まで押し広げられたときにサンプル熱がどこまで到達し得るかを示す、最も初期の例の一つです。

この2つのグループだけでも、サンプリングに関して境界を押し広げる役割を果たし、この手法に関する物議を醸す著作権関連の議論や、他者の作品をこれほどまでに使用することが「真の芸術」と見なせるのか（それが何を意味するにせよ！）という議論に火をつけました。

それと並行して、彼らは極端なサンプリングを対立的な政治的メッセージや文化的解説と組み合わせ、メッセージ性と芸術的なサンプル使用の両面において、Hip-hopの限界を新しい刺激的な場所へと押し広げました。 まさにそれこそが、これらの革命的なグループとそれぞれの作品が、このリストに載るに値する理由です。

Aphex Twinの『サージカル・マイクロ・サンプリング』（1990年代）

さて、ここでは精密なサンプリング実験の核心となる詳細な部分に入っていきます。 他の人々がサンプリング技術を使ってさらなる独創性を生み出すのに苦労していた一方で、Aphex TwinのRichard D. Jamesは『Come to Daddy』や『Bucephalus Bouncing Ball』といったトラックに没頭し、当時他の誰もしなかったような外科的なサンプリング手順を実践していました。

オーディオの粒子を微小な断片にスライスし、それらを独創的な方法で再加工して、革命的で異質なブレイクビーツやテクスチャを作り出すことで、Aphex Twinはサンプリングが必ずしも認識可能な作品をトラック内で再利用することだけではないことを示しました。 彼は間違いなく、サンプリングは「真の芸術」ではないという議論に終止符を打つことになるでしょう。 結局のところ、誰も元のサンプルを認識できないのであれば、それを本当にコピーと見なすことができるでしょうか？

サンプリングの歴史におけるこれらの象徴的な進歩は、IDM、グリッチ、実験的なエレクトロニカ、そして平凡な4/4拍子のビートや使い古された道では満足できないと判断した、基本的にすべてのプロデューサーにインスピレーションと影響を与え続けることになります。

Daft PunkによるChicスタイルのサンプリングを通じたHouseのリバイバル（1997年）

Daft Punkは、その革新的な制作スタイルと、一部の人々が「反復的だがキャッチー」と呼ぶようなクラブバンガー（クラブで盛り上がる曲）によって名声を博しました。 最も注目すべきは、消えかけていたDiscoやFunkのDNAを再注入することによって彼らが作ったメインストリームのダンスミュージックです。 そして、彼らはどうやってそれを行ったのでしょうか？　おそらく推測できるでしょう、サンプリングを通じてです。

『Da Funk』、『Around the World』、そして後の『Harder, Better, Faster, Stronger』といったトラックは、70年代や80年代のレコードが持つ温かみ、グルーヴ、そしてスワッガー（自信に満ちた雰囲気）を再び紹介しましたが、それは洗練され、現代的で、クラブ仕様と感じられる方法で行われました。 彼らのサウンドは、サンプリングが単なるループについてのものではなく、音楽の系統全体を復活させることについてのものであることをプロデューサーたちに思い出させました。 Daft Punkは単独で、ほぼFrench Houseムーブメントの火付け役となりました。

では、彼らのサンプリングは具体的に何が注目に値したのでしょうか？ 彼らは非常に特定のサンプリング変換スタイルを普及させました。 それは、FunkやDiscoのグルーヴに攻撃的なフィルタリングオートメーションとポンピングコンプレッションをたっぷり塗りたくり、彼らの音楽の特徴である、シューッという音や呼吸するような感覚を作り出すことです。 例えば『Harder, Better, Faster, Stronger』は、Edwin Birdsongの小さなグルーヴを取り上げ、シンセラインを切り刻み、その周りに全く新しいロボットのようなアンセムを構築しました。

J Dillaの人間味あふれるサンプルチョップ革命（1998年～2006年）

J Dillaの遺産は、世界のHip-hopコミュニティのほぼすべての隅々において、最も影響力があり重要なものの一つとして広く見なされています。 そして、それにはもっともな理由があります。 J Dillaは、以前はロボット的でクオンタイズ（機械的なタイミング補正）された感じだったHip-hopのサンプリングを取り上げ、そこに人間的な命を吹き込むことに成功しました。 他のプロデューサーたちが既存のサウンドに満足していたところで、Dillaは革新に焦点を当て、サンプリングを不規則で調子の外れたリズムにスライスすることに忙しくしていました。

そしてその革新性は明らかであり、多くの人々に評価され、愛されています。 彼は、サンプリングが本質的に機械的なものではないことを証明しました。 それは呼吸することができるのです。 彼のアプローチはHip-hopのリズムデザインやネオソウルの制作を変え、プロデューサーがビートに取り組む方法に永続的な痕跡を残しました。 彼は他の人々にレベルアップを強き、すべてのキック、スネア、ハイハット（そしてそれ以外も）を打つ場所について、より深く考えるようにさせました。

もちろん、クラシックで機械的にクオンタイズされたBoom-Bapにも依然として居場所はありますが、J Dillaの生々しいMPC3000のドラム演奏と、慎重にスライスされたソウルやジャズのサンプルが組み合わさることで、何が可能であるかが再定義されました。

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