名曲を支えるギターコード進行10パターン

『ヒット曲に共通するコード進行の秘密』ギターコード進行が記憶に残る音楽を形作る仕組み

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コードとその進行は、私たちが音楽をどのように体験するかを決定づけます。

曲の雰囲気を定義し、ジャンルの感覚を生み出し、ノスタルジーを呼び起こすこともあります。

コードはギタリストにとっての最も重要と言える存在で、クラシック・ブルースのターナラウンド（終止進行）の粘り強い響き、ポップミュージックでおなじみの I–V–vi–IV 進行、あるいは未解決のコード進行がもたらす緊張感など、コードがどのように動くかが、リスナーに直接的な感情的影響を与えます。

ソングライターやギタリストにとって、異なるコードの組み合わせがどのような感情を呼び起こすのかを理解することは、記憶に残る音楽を作るための最も強力なツールの1つです。

適切なコード進行は、曲の雰囲気を一瞬で憂鬱から高揚、安らぎ、不安感へと変化させることができます。

コードチェンジのひとつひとつが、リスナーが気づかないうちに感情に影響を与えるのです。

最もシンプルなコード進行が、しばしば最も効果的で、ほんの数個のコードとしっかりとしたメロディだけで、時代を超えて愛される楽曲が生まれることもあります。 ボーカルとギターだけで成立する曲は、優れたソングライティングの証で、エルトン・ジョンの「Goodbye Yellow Brick Road」やポール・マッカートニーの「Let It Be」などの名曲は、適切なコード進行がメロディを高め、歌詞に感情的な重みを与える好例です。

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さらに、キーやドラムなどのタイプ別タグで選択肢を絞り込むことができます。テンポやキーを指定して検索し、現在選択中のキーにロックした状態でプロジェクトにドラッグできます。

ヒットメーカー：I–V–vi–IV

ラジオで新曲を聴いたとき、「これ、どこかで聴いたことある…」と思ったことはありませんか？ それはきっと、I–V–vi–IV という、現代音楽でもっとも認識されやすいコード進行が使われているからです。 ポール・マッカートニーが「Let It Be」でその名を歴史に刻んだこの進行は、それ以降「Under the Bridge」（Red Hot Chili Peppers）、「No Woman, No Cry」（Bob Marley）、「With or Without You」（U2）など、無数のヒット曲の土台となっています。

このコード進行の魔法は、キーの中で強いトーナルセンター（音の中心）と解決感を強調する点にあります。 ルートのメジャーコードから始まり、5度のメジャーコードに移ることでハーモニックな基盤が補強されます。 次に、ルートの相対的なマイナーコード（vi）に移行することで感情的な変化が生まれ、最後に4度のダイアトニック・メジャーコードへと進み、自然な形でルートに戻る導線を作ります。

このスムーズで円を描くような動きが、解決感と安心感を生み出し、ヒット曲を作るための近道とも言えるほど効果的です。 レコーディングを開始してこの進行を弾くだけで、ヒット曲の半分は完成したようなものです。 Axis of Awesomeのバイラル動画「Four Chords」では、この進行だけで46曲を6分間で演奏し、この事実をはっきりと証明しています。 このコード進行は、シンプルなパターンこそ抗いがたい魅力を持つ、という音楽家たちの内輪ネタにもなっています。 コード進行が記憶に残る音楽を形作る仕組み

バラード：vi–IV–I–V

I–V–vi–IV 進行には、感情的な重みを少しだけ加えた双子のようなコード進行があります。それが、vi–IV–I–V です。 I ではなく vi から始めるこの小さな変化によって、曲のトーンは一気に内省的で物憂げなものになりますが、I–V–vi–IV と同様に、安心感のある調性感も保たれています。

この進行は、ポップ・バラードやロック・アンセムで感情を深めたいときの定番です。 ジョン・レジェンドの「All of Me」やビヨンセの「If I Were a Boy」のように聴衆の涙を誘うバラードにも使われていますし、Green Dayの「Holiday」やSiaの「Cheap Thrills」のようなエネルギッシュな楽曲にも力強さを与えています。

感情的な傾向があるとはいえ、vi–IV–I–V 進行には依然として安心感や親しみやすさがあり、記憶に残るヒット曲を作る上で非常に効果的です。 穏やかなヴァースに使っても、スケール感のあるサビに使っても、コードのわずかな変化が曲全体の感情の深さに大きな影響を与えることを証明しています。

12小節ブルース：I–IV–V

ブルースがどうしてあれほど感情的に響くのか、不思議に思ったことはありませんか？ その答えはドミナント・コードにあります。 ブルースのコード進行はダイアトニックなメジャーキーを基盤としながら、各コードにフラット7（♭7）を加えることで、解決しきらない緊張感を生み出しています。 その結果、すべてのコードチェンジが表現力豊かでソウルフルになり、常に引っ張られるような感覚がリスナーを惹きつけます。

この緊張感は、各コードがミニカデンツ（小さな終止形）として機能することでさらに強調され、ブルース進行には中毒性のあるローリング感が生まれ、常に前に進み続けながらも、完全には落ち着かない感覚があるのです。

Chuck Berryの「Johnny B. Goode」やStevie Ray Vaughanの「Pride and Joy」などの名曲は、このコード進行がジャンルを定義している好例です。 1920年代からはジャズ・ミュージシャンたちがこの構造を取り入れ、追加のカデンツやディミニッシュド・コード（減三和音）を使って、より複雑でカラフルな展開を加えていきました。

基本的なブルース曲の多くは、クラシックな12小節構成に従っています。 Iコードから始まり、IVへ移り、Vへ下がってからまた戻るという形です。 そして、特徴的なターナラウンド（V–IV–I の素早い移行と、最後にもう一度Vを弾く）によって、緊張感のある締めくくりが生まれ、再びサイクルが始まるように感じさせてくれます。 短く、シンプルで、感情的に力強いこの構造は、ギター・インプロビゼーションや表現豊かなソロにとって理想的な土台となります。

‘50年代進行：I–vi–IV–V

1950年代、ハリウッドの華やかさやパーティ文化の拡大とともに、ティーン世代の間で新しい音楽の波が生まれました。 その中で登場したのが、ブルースと並びポップ・ミュージックで頻繁に使われる明るく前向きな「‘50年代進行」です。 このキャッチーで心地よいコード進行は、1950年代の若者たちのサウンドトラックとなりました。

Ben E. Kingの「Stand by Me」やRitchie Valensの「Donna」といったクラシック曲でこの進行を聴くことができますが、この進行はその後も長く受け継がれました。 1980年代には、The Policeの「Every Breath You Take」やCrowded Houseの「Don't Dream It's Over」などのヒット曲にも登場しています。

それから約75年が経った今でも、この進行はノスタルジックで遊び心のある雰囲気を与える手法として重宝されています。 Magic!の「Rude」、Taylor Swiftの「Blank Space」、Fun.の「We Are Young」などの現代的な楽曲もこの進行を取り入れており、1950年代に始まったエネルギッシュでダンサブルな魅力は、時代を超えて愛され続けていることを証明しています。

“平行調”のスパイス：I–♭III–IV–♭IV

ここでご紹介するのは、より一般的なコード進行から少し離れたパターンです。 この進行は、The Beatlesの「Something」、Radioheadの「No Surprises」、Simon & Garfunkelの「Bridge Over Troubled Water」など、多くのギタリストのレパートリーに入っている名曲で使われています。

この進行では、厳密なダイアトニック（調性内）コードから逸脱し、キーのパラレル・マイナー（平行調）からコードを借用する手法が用いられています。 メジャースケールの I から始まり、次にマイナースケールから借りた♭III、そして♭IVに進み、最後に再び IV（今度はメジャーから）に戻るという構成です。

パラレル・マイナーからのコード借用は、ギタリストにとって隠れた武器とも言えるテクニックです。 ♭IIIや♭IVといったコードは、馴染みがありつつもどこか違和感を与えるような、夢の中のような浮遊感を生み出します。 こうした微妙でユニークな感情の変化をもたらすことで、聴き手の耳を引きつけることができます。

メジャーキーの中での進行に、ほんの少しの意外性を加えることで、曲に新たな感情のレイヤーを加えることができるのです。 無理なく、しかし確実に印象に残る効果が得られるこの手法は、シンプルなコード進行に新鮮さを与える優れた方法です。

「定番進行ワンダーウォール」：i–♭III–♭VII–IV

Oasisの「Wonderwall」と言えば、ギターコード進行の中でも特に認知度の高い名曲のひとつでしょう。 ネットでよくいじられる定番ネタにされがちですが、実のところこのコード進行に責任を負わせるのは少々酷な話です。 Green Dayの「Boulevard of Broken Dreams」もまったく同じ進行を使っているからです。

「Boulevard of Broken Dreams」は、「Wonderwall」ほど象徴的ではないかもしれませんが、それでも十分に注目を集めている曲です。 Spotifyでは約9億4000万回の再生を記録しており、YouTubeのミュージックビデオ視聴数では「Wonderwall」を上回っています。 この進行を使いながら、2つの曲を重ねて歌ってみると、驚くほどぴったりと合います。

このコード進行は他にも、Wheatusの「Teenage Dirtbag」や、70年代のSteve Miller Bandの「The Joker」などにも見られます。 「Wonderwall」ばかりが目立ってしまいましたが、実は何十年も前からこの進行は多くのヒット曲で使われてきたのです。

ミクソリディアン・ロック：I–♭VII–IV

ギターを練習したことがあるなら、「D–C–G」というコード進行に出会ったことがあるでしょう。 これはロックの定番とも言える進行で、The Rolling Stonesの「Sympathy for the Devil」やBob Dylanの「Knockin' on Heaven's Door」、Lynyrd Skynyrdの「Sweet Home Alabama」など、数えきれないほどの曲に登場します。

この進行が持つ特徴的な「ミクソリディアン感」は、通常のメジャーキーに含まれるメジャー7を♭7に置き換えることで生まれます。 たとえば、キーがDなら、♭VIIにあたるのはCメジャーコードになります。 このコードを使うことで、メジャーキーの中に、よりリラックスしたブルージーな雰囲気を加えることができます。

♭VIIコードは、IVコードへと自然に進むカデンツ（終止感）を生み出しながらも、メジャーキーの感覚を損なわずに保ちます。 そのため、このコード進行はロック・アンセムにもソウルフルなバラードにもフィットするのです。 これが指に馴染めば、数々のクラシック・チューンの音世界が手の中に広がるでしょう。

ディミニッシュドコードで加えるさりげないスパイス：I–♭IIdim–II

一見すると、I–ii というコード進行はとても平凡に見えます。 しかし、Elton John や Oasis のようなアーティストたちは、ここにちょっとした工夫を加えています。 トニック（I）から ii に進む間に、ディミニッシュド・コード（♭IIdim）を挟み込むのです。 このわずかな追加によって、進行に緊張感が生まれ、その後に訪れる上昇的な解決がより満足感のあるものになります。

Elton Johnの「Bennie and the Jets」のヴァースや、Oasisの「Don't Look Back in Anger」のプリ・コーラスなどでこのテクニックを聴くことができます。 ディミニッシュド・コードは不安定な響きを持ち、それゆえに解決を強く求めます。 だからこそ、次のコードに進んだときに「おっ」と感じさせる驚きが生まれるのです。

ディミニッシュド・コードを標準的な進行にさりげなく挟むことで、シンプルなコード進行でも複雑なハーモニー感を演出し、予測可能すぎる展開を避けることができます。 次のコード進行作りでぜひ試してみてください。 驚くほど豊かな響きが得られるかもしれません。

ビートルズのお気に入り：I–Imaj7–I7

「Lucy In The Sky With Diamonds」や、前述の「Something」、そして「Strawberry Fields Forever」で聴かれる、あの幻想的で下降するような響きを覚えているでしょうか？ これは、コード全体の形を動かすのではなく、個々の音の動きに焦点を当てた手法によって生み出されています。 構成音のうちのひとつだけを半音下げ、他の音はそのまま鳴らし続けることで、ハーモニー豊かな響きを作り出すのです。

これは「ヴォイス・リーディング（音の導き）」というテクニックで、The Beatlesはこの手法を巧みに使って、予測不可能なコード進行に仕上げていました。 Bob Dylanの「Simple Twist of Fate」や、Al Greenの「Let’s Stay Together」にもこの手法が用いられており、楽曲に滑らかで複雑な動きを与えています。

コード進行の中で一部の音を持続させながら、他の音を少しずつ変化させていくことで、進行が常に変化しているような感覚を生み出すことができます。 こうした半音下降の動きは、より大きなコード変化への「助走」として、楽曲にドラマチックな展開をもたらします。 考えすぎず、耳を頼りに音の動きを追うことで、自然と魅力的な進行が生まれるのです。

メジャー・パラレル・ムーブメント（平行移動）

予測可能なポップのコード進行、ブルース的な解決、マイナー寄りのバラードから脱却したい場合、90年代のソングライター、たとえばThom YorkeやJeff Buckleyの手法を参考にするのが良いかもしれません。 彼らがよく使ったトリックのひとつが「パラレル・メジャー7thコード」の活用です。 これは、メジャー7thコードの形をそのまま保ったまま、フレットボード上で平行移動させるという手法です。

この手法は、ブルースがドミナント・コードで緊張感を保つのに似ていますが、メジャー7thコードの場合はよりスムーズで高揚感のある響きが得られます。 コードの構造自体は変わらず、進行していくことで、ドリーミーで浮遊感のある効果が生まれます。

Radioheadの「Everything in Its Right Place」では、ヴァースとコーラスの両方で Imaj7、VIImaj7、IImaj7 という構成が用いられており、常に煌びやかなメジャー7thの質感が保たれています。 Hiatus Kaiyoteの「Nakamarra」でも、Imaj7とIImaj7の間を行き来する2コードの進行で、ジャジーでグルーヴィーな感覚が表現されています。

メジャー7thコードの平行移動は、コード進行にハーモニックな複雑さを加えつつも、開放的で滑らかな響きを維持するための強力な方法です。 聴き手の耳を一瞬で惹きつける効果があり、コード進行にちょっとした意外性を加えたいときにぴったりのテクニックです。 コード進行は、曲の雰囲気や感情を左右する音楽制作の中核です。 ポップス、ロック、ブルースなど、ジャンルを問わず数多くの名曲が定番のコード進行によって支えられています。 シンプルな進行でも、使い方次第で強い印象や深い感情を引き出すことができます。 今回ご紹介した10のコード進行は、ギタリストにとって心強い武器となるはずです。 ぜひ自身の楽曲に取り入れ、独自の表現を見つけてください。