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MIDIトラックに新しい息吹を吹き込み、よりオリジナルなサウンドを生み出す10のヒント

あなたが制作したMIDIトラックに手を加え、より良いものにするためのガイドで、あなただけのサウンドを作りましょう。




MIDIグリッドは強力な作曲ツールである一方、音符を無目的にドラッグしたり、他のコードやメロディと連動させるために実験したりするため、しばしばインスピレーションを阻害することがあります。

インターネットからあらかじめ作られたMIDIトラックをダウンロードし、純正インストルメントで再生したものを聴いても、まるでカラオケのバッキング・トラックのような迫力のない音になってしまいます。

この記事は、MIDIにインスピレーションを与え、新しいアイデアを生み出すアプローチを提供することを目的としています。


MIDIトラックは最初は刺激的なサウンドではないかもしれないが、音符が正しい限り、MIDI情報を質の高いソフトウェア・インストゥルメント(Omnisphereのようなソフトウェア・シンセ(ソフトシンセ)、Kontaktライブラリ、ドラムマシンのエミュレーションなど)と組み合わせることで、サウンドに命を吹き込むことができます。

MIDIトラックの面白さやニュアンスを余すところなく引き出したい方のために、MIDIトラックのサウンドを向上させ、さらにMIDIによる打ち込みとして認識されないようにするための10のヒントをご紹介します!


1. タイミングとベロシティのヒューマナイズ


MIDIトラックの自然な感触を高めるには、DAWのMIDIヒューマナイズ機能を活用するのが効果的なテクニックの1つです。

この機能は、指定されたパラメーター内でノート値をランダムに調整し、MIDI演奏のロボット的な質を下げます。

サンプル・インストルメントの場合、ヒューマナイズされたMIDIはサンプルのベロシティ・レイヤーを変化させ、同じノートでも異なるサンプルをトリガーするため、より本格的な演奏になります。

同様にソフトシンセでは、MIDIベロシティがVCA(電圧制御アンプ)の信号レベルに影響し、音源がさまざまな音量で反応します。




2. 演奏者のフィーリングをエミュレートする


臨場感をさらに高めるには、演奏家がどのように音を早めにプログラミングしてビートを少し押し出すか、合わせてみてください。

演奏者はしばしば、特定の音符を強めのベロシティで強調し、他の音符は軽めのタッチで演奏します。

ドラマーがグルーブに微妙なエネルギーとニュアンスを加えるために、バックビートの間にゴースト・スネアノートを演奏することがよくありますが、このテクニックはベロシティに反応するすべてのインストルメントに応用できます。

このような精密なベロシティとタイミングの値にこだわることで、MIDIトラックをよりダイナミックでリアルなものにすることができます。




3. 自然なクレッシェンド


緩やかなクレッシェンドと時にはデクレッシェンドを取り入れることで、セクションチェンジやトランジションに緊張感と勢いを与えることができます。

例えば、ドラム・パートでは、スネア・ロールの各MIDIノートのベロシティを徐々に上げていくことで、スムーズで自然なテンションの高まりが生まれ、セクション・チェンジに重みが加わります。


このテクニックはドラムに限ったことではなく、ピアノ、オーケストラ、ギター、ベースなど、どんなインストルメントにも応用できます。

ミュージシャンがセクションチェンジのために自然にテンションを高めていくのと同じように、緩やかなクレッシェンドを導入することで、作曲におけるこのような移り変わりの瞬間のダイナミクスと感情的なインパクトが高まります。




4. ダイナミックなインパクトを与える音符の長さ


音符のタイミングはトラック内の空間感覚に大きく影響し、小節内のサスティン音符の配置によって、フレーズの開始、中盤、または終盤に重みを加えることができます。

特に、急激なトランジェントではなく緩やかなアタックを持つサウンドと組み合わせると、次のノートがトリガーされるまでノートを保持することで、スムーズなレガートフレーズが生まれます。




あるいは、音符を短くして次の音符の前に休符を入れると、よりスタッカ ートなフレーズになり、アクセントと強弱が加わります。

しかし、過度なスタッカートは音源のMIDI的性質をあらわにし、威圧的になることがあります。

音符の前に休符を入れたり、ベロシティレベルを高くしたりすることで、音楽ライン内のリズム上のポイントに注目しやすくすることができます。

これらのコンセプトを試すことで、プログラムされたMIDIパートに滑らかさや激しさを加えることができます。


5. オクターブ・シャッフルでコードのインバージョンを探る


3音コードの構造を維持したまま、各音を次のオクターブ下または上に移動させることができます。

こうすることで、音符が再配置されても基本音は維持されるため、コードの " スペル " は維持され、コードの響きは同じになります。

しかし、このアプローチでは、音符の相互関係が入れ替わるため、各音符が同時に演奏されると、異なる組み合わせの音になります。

このテクニックは、和音の反転を演奏することと類似しており、ルート以外の音をヴォイシングの低音に配置することで、和声のテクスチャーを変化させ、作曲に深みを加えます。


このコンセプトは、7thコードのような4音コードや、さらに密度の高いクラスターにまで拡張することができ、和声の豊かさや複雑さをさらに探求し、実験することが可能です。




6. 音符を削除して、より簡潔なアレンジにする


MIDI トラックの音符が多すぎると、それが不自然であることがよくあります。インターネットからダウンロードした1つのピアノ音源が、曲のすべての構成要素を演奏しようとしていることがあります。

各トラックを個別のバンドメンバーとして扱うことで、MIDIチャンネルが作曲の中で特定の音楽的役割を果たすことができます。


MIDI進行がすでに書かれているかダウンロードされている場合は、一度に演奏する音符の数をダイアド(2音の組み合わせ)かトライアド(3音の和音)に減らしてみてください。

ベース・パートとボーカル・パートがある場合、その曲のコード・ハーモニーの多くがすでに用意されていることがよくあります。

ルート音と5分音符は通常ベースで聴かれるので、省略できることが多いです。

MIDIコードの第3音階の度数を維持することは、メジャーまたはマイナーのハーモニーを意味するため重要です。


7th、9th、その他の拡張や変化など、より複雑なコードの場合、これらの音を含めると、サウンドに特定のトーンカラーが加わります。

インストルメントがルート音を押さえていれば、長3音階の度数とテンションを弾くだけで十分な場合があります。




7. 静的ドローン音符の追加


Tape NotesのポッドキャストでFred Againが言及しているように、作曲の初期に静的なドローンを加えることは、ムードや雰囲気を即座に確立し、その後のトラック制作プロセスにインスピレーションを与える効果的な方法です。

このテクニックは、コード・チェンジの間も一貫した音を維持することで、MIDI曲にも応用できます。

そうすることで、連続性が感じられ、意外なコードの組み合わせがうまくまとまり、サウンドが引き締まり、驚くようなコードチェンジが可能になります。




8. 実験的なレコーディング・テクニックからヒントを得る


ニルス・フラーム、マールテン・ヴォス、セバスチャン・プラノなどのアーティストが、クローズ・マイク・レコーディングのテクニックを活用していることにヒントを得て、ピアノ、チューニング・パーカッション、アコースティック・ドラムなど、より優しいサウンドを提供するソフトウェア・インストルメントと低ベロシティを組み合わせることを検討してみましょう。

これらの演奏された音源を強く圧縮し、出力ゲインを上げることで効果を得ることができます。


9. メロディーのハーモナイズ


メロディーを作るときに自分の耳を信じることは、思いがけない楽しい結果につながることがあります。

MIDI音符は本能的にピアノ・ロールに1つずつ追加されていくので、直感に任せて創作プロセスを進めましょう。

メロディーを作曲した後、そのキーを決定し、トラック内の他の要素と調和させるのは大変な作業に思えるかもしれません。

幸い、このプロセスを簡単にするテクニックがあります。


まず、メロディーのリズムから、コードが自然にフィットしそうな箇所を特定することから始めます。

そして、その拍にメロディ・ノートを置いてコードを作ります。

メロディ・ノートをコードの3度または7度として使うことで、コード・チェンジがどんなに遠くても、メロディとコードの互換性が確保されます。

このテクニックは、メロディーとハーモニーの要素をシームレスに統合し、最初は即興的なメロディー・ラインであったものが、全体的なまとまりと音楽性を高めます。




10. MIDI FX


ほとんどのDAWには、アルペジエーター、シーケンサー、コードジェネレーターなどのMIDIエフェクトが用意されており、1つのMIDIトリガーに動きを吹き込むことができます。

これらのMIDIエフェクトをソフトウェア・インストルメントの直前に配置することで、MIDIプログラミングに手間取ることなく、素早く音楽のアイデアを生み出すことができます。

さらに、他のMIDIエフェクトには、1つのプレイ・ノートからランダム・ノートを生成するものもあります。


これらのエフェクトを深く掘り下げると、より複雑なシーケンスが見えてきて、特にランダマイザーのようなFXを使用する場合、より複雑で予測不可能なMIDI情報を作成することができます。

これらのMIDIエフェクトを探求することで、手動で音符を入力することなく、MIDIから直接音楽のアイデアを生み出すことができます。

その代わりに、ユーザーは自分の耳を信頼し、創造的に生成されたアイデアから選択することができ、よりシーケンス的で有機的なワークフローを育成することができます。


よくある質問

MIDIとは何ですか?


MIDIは、電子楽器、コンピューター、その他のデジタル機器間の通信を可能にする、デジタル情報のトリガーと交換のための業界標準の方法です。

MIDI情報には、音程、ベロシティ、モジュレーション、パラメーター設定のコントロールが含まれます。

この機能により、ユーザーは手動で演奏することなくインストルメントをプログラムし、必要に応じて正確な設定を呼び出すことができます。


異なるベロシティレイヤーはMIDIインストルメントにどのような影響を与えますか?


ベロシティレイヤーは、基本的にはトリガーされたノートのボリュームに影響を与えます。

しかし、サンプルインストルメントの中では、ベロシティが正確な音量で演奏されたレコーディングノートの再生を促すことができます。

さらに、ベロシティ情報は、サウンドの音色、エクスプレッション、モジュレーション・パラメーターに影響を与えます。


メロディとコード進行の違いは何ですか?


メロディーは、順次演奏される単音で構成される音楽フレーズで、一度に演奏される音符は1つだけですが、音符の数は自由です。

メロディーは本来単旋律で、ハーモニーや対位法を伴わない単一の旋律線を意味します。


複数の音が同時に演奏される場合、それらは和音ハーモニーを形成し、ハーモニーの特徴的な響きは、その構成音間の相互関係によって決定さ れます。

コードは、2つ以上のパートがそれぞれ旋律を持つため、ポリフォニックです。

ある音符から別の音符へと移行することで、コード・チェンジが生じます。

一連のコード・チェンジは、音符が移行するたびに変化し、コード進行を形成します。

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