James Hurr: "最近のモダンモードは、エレクトロニックとオーガニックのハイブリッドなサウンドだと思います"
多忙な仕事のスケジュールは、見方によっては成功したキャリアの証でもあり、症状でもあります。Spinnin、Armada、Toolroomなどのレーベルからのリリース、SpliceやLoopcloudでのサンプルパックの販売、自身のレコードスタジオ（AUX Studios）、WimbledonやNinja Tuneなどの商業的なクライアントなど、多方面で活躍するエレクトロニックミュージックのプロデューサー兼サウンドエンジニアのJames Hurr氏は、あまりにも多くのことを背負い込みすぎていると感じ始めていました。
「パンデミックが起こる前は、スタジオで1日12時間働いていましたし、やるべきことのリストは尽きませんでした。負担が大きすぎてストレスがたまり、本来の楽しみ方ができなくなっていました」と語っています。
世界的な景気後退により、自分の時間の使い方を見直すことができ、自分のブランドを確立し、将来の計画を立てる機会を得たHurrは、以前にも増して良い状態になっていると言えるでしょう。サリー州出身の彼は、周りの人を優先するのではなく、自分のためにバランスを微調整し、仕事のルーティンにバラエティを加え、自分が最も得意とすること、つまり素晴らしい音楽の作曲とプロデュースを楽しむことを取り戻しました。
私たちはJamesにインタビューを行い、その後に引き受けたさまざまなプロジェクト、彼の仕事環境やプロセス、そして将来の計画について話してもらいました。
素敵なスタジオですね、いつからお使いですか？
「ありがとう、まだ12月に建てたばかりだよ。Gumtreeで見つけたんだ。パンデミック前はアーティストに貸し出されていた大きなオープンスペースだったんだけど、ビルのオーナーがバンドマンで、ライブが全部キャンセルになったからレコーディングスタジオにしようと思ったらしく、当時まだ木枠だけの状態でしたが、私も見に行きましたがすぐにオファーを出しました。家からも近いし、完璧な空間だと思いました」。
というのも、最近ウィンブルドンのテレビ広告が入ってきたんですよ。映画「サタデー・ナイト・フィーバー」でウォルター・マーフィーがベートーヴェンの第5番を演奏したような、クラシックのハイブリッド・トラックの募集でした。クラシックの大作を現代風にアレンジするなんて、面白そうだなと思いました。現在、この作品は最終選考に入っており、代理店からのフィードバックを待っています。採用されることを祈っていますよ。
このような商業的なプロジェクトでは、いつも代理店と一緒に仕事をしているのですか？
面白いことに、パンデミックが起こる前は、エージェンシーとの仕事は10％程度だったと思います。それまでは、SohoにあるNativeというミュージック・スーパーバイザーの下で働いていました。しかし、パンデミックが起こった後、人脈を通じて、何年か前に別の会社を通じてNinja Tuneの仕事をしたことがあることに気がつきました。そこで、何か手伝うことはないか尋ねてみたんです。幸運なことに、彼らは私を試してみることにしました。そして今、私は彼らのためにモータウンとソウルのアルバム全体を制作しています。ロックやヒップホップ風の曲も作ったよ。もっと生楽器やオーケストラサウンドを使ったり、質の高いセッションミュージシャンと一緒に仕事をしたりしたいと思っていたので、とても嬉しいですね。
自分で曲を作るときは、生楽器やシンガーを使うのか、LoopcloudやSpliceのサンプルパックを使うのか、どちらがいいですか？
基本的にはミュージシャンを使いたいのですが、いつも時間があるわけではありません。でも、幸運なことに、ダンスミュージックの世界で働くための正しい姿勢を理解している人たちとのつながりがあるんです。彼らは常に柔軟で、常に最終決定権を求めているわけではありません。初期の頃は、ミュージシャンと一緒に仕事をするのは、対立があって難しく、時間もかかりました。その点、サンプルは時間の節約になりますから、私はいつもサンプルを使っています。私のクライアントの90％はLoopmastersやSpliceのループやサンプルパックだけで作られたものを提示していると思いますが、最近それらのサンプルをライブで演奏することで置き換えています。それが、ほとんどすべての作品の始まりです。
実際にパックを作成する際のワークフローはどのようなものですか？
パックごとに異なります。例えば、Splice Mark Knightパック（Trademark Series - Mark Knight）では、以前のプロジェクトからすべての要素を取り除き、それらを再配置して再加工しました。大規模なパックでは、編集作業が多く、毎回トラックを制作しているように扱いますが、アレンジは気にしません。例えば、キラーグルーヴを作った後、そのサウンドがどのように機能するかを見て、より面白いものにしていくのです。
ゼロから始める場合は、真っ白なキャンバスだと思っています。あらゆるところから断片を集めてクールなループを作りたいと思ったら、古いレコードをサンプリングして操作します。古いファンクのレコード、70年代のレアなもの、ナイジェリアのファンクのレコードなど、何でもいいからスネアの音に変なものを使うんだ。ただのドラムマシンではなく、このようなものがトラックの核となる部分に組み込まれているのは素晴らしいことです。私がループを作るときには、ハイハットやスネア、808や909からのクラップなど、ドラムマシンの要素が、カラフルで面白いサウンドの上に乗っかっています。
その方が、クラブやラウドスピーカーでの使用に適したトラックになると思いますが？
ええ、その通りです。最近のモダンモードは、エレクトロニックとオーガニックのハイブリッドなサウンドだと思います。ループの中に十分なハーモニクスや面白いダイナミクスがあってオーガニックな感じがする一方で、その下にはエレクトロニックで重厚なシンセサイザーの重みがある、というバランスを取ることが大切なんです。私は人のためにミックスダウンをするのが好きなのですが、そこには科学的な側面があることに気づきました。
一方では、すべてエレクトロニックで、非常にハードなものがありますが、それらは本物の音ではありません。また一方では美しい響きのオーガニックなドラムやギターなどを使っていても、クラブやラジオで流すとなると、そのトラックではダメな場合があります。
そのような効果を得るために、何か特別な処理方法がありますか？
歪みが好きですね。CubaseのQuadra Fuzzというマルチバンドディストーションのプラグインをいつも使っていますが、高域を歪ませて、ちょっとした刺激を与えたり、中域にサチュレーションをかけたりしています。そうすると、特にダンスプロダクションのドラムでは、瞬時に巨大なサウンドになります。
また、多くのサウンドでエンベロープ・シェイパーを使用して、アタックを下げたり、スローにしたりしています。デジタルサンプルのトランジェントは、音の自然な動きに比べて音響的に正確ではないことが多いので、それを信じられるようにするには何らかの処理が必要です。時にはトランジェントにホワイトノイズを加えてメリハリをつけることもあります。音を録音するときには、必ず信号にノイズの要素が入り込みます。デジタルサンプルはトランジェントに合わせてカットされていることが多いので、このノイズを戻す必要がある場合もあります。
これは、自分で学んだことなのか、それとも師匠から影響を受けたことなのでしょうか？
私は20年ほど前から音楽制作をしていますが、これは実験や試行錯誤の結果です。時間が経つにつれ、私の耳は自分が効果的だと思う音に同調するようになり、自分が反対する音の要素に気づくようになりました。試行錯誤しながら、自分の音と他の波形を比較しています。
でも同時に、専門家にアドバイスを求めることを恐れてはいけません。私は以前、ロンドンのマスタリングスタジオであるWired Mastersから多くのヒントや情報を得ていました。彼らが教えてくれたのは、ディエッサーを使って厳しいクリック音やポップ音を取り除き、よりアナログ的なサウンドにすることでした。きつめな高音域やポップなトランジェントを取り除くと、よりスムーズなサウンドになることに気づきました。
Spliceのサンプルパックの話が出ましたが、最近Loopcloudで「Toolroom Tech House」というサンプルパックをリリースしていますね。このパックは、Mark KnightやSeigeとのコラボレーションで制作されたものですが、皆さんの間ではどのようなプロセスが行われたのでしょうか？
これは、私たち全員の作品を集めたものです。お互いのプロジェクトを見比べて、気に入ったものを選んだんだ。私は、他の人の助けになるようなものを作りたかったし、自分のトラックをより良い音にしたり、よりグルーヴィーにしたりするためのツールを提供したかったのです。より完成度の高いものもあれば、より初歩的なものもあります。
他の人のためにミックスをしたり、自分でも音楽をリリースしたりしている人は、2つの考え方を切り替えるのが難しいと感じていますか？
確かに切り替えは必要です。私は、プロデューサー、ミックスエンジニア、パフォーマーなど、さまざまな面をかぶるようなものだと思っています。それぞれに独自のスタイルがあり、ニュアンスも異なります。また、出力レートの違いについても理解しなければなりません。仕事の進め方は人それぞれなので、他の人の意見を参考にすることもあれば、アイデアが自分の好みと直接一致しない場合でも、彼らの指示に従うこともあります。創作活動の興奮に包まれて、タスクを維持するのは難しいかもしれません。
他の人と一緒に仕事をすることは、クリエイティブなプロセスをよりよく見ることができるので、とても重要だと思います。現在、私はさまざまな人と仕事をしています。ダニー・ハリソンという人と仕事をしていますが、彼は何百もの大規模なレコードをプロデュースしています。彼は187 LockDownにいたし、Defectedにもいました。また、リミックスチームであるMoto Blancoも一緒にやっています。去年は、ポール・ハリスと一緒に、ディスコのリミックスやイタロ・ディスコにインスパイアされたハウスを作ったりしていて、「Harris and Hurr」という名前で活動しているんだ。
来年以降の展望と、リリース予定の作品を教えてください。
2020年のグラミー賞に行って、心を揺さぶられました。もちろんアンダーグラウンドのルーツを失うことなく、もっとそういう商業的な領域に進んで、もっとコネクションを作っていきたいと思っています。曲を作るのはとても楽しいし、それが注目されているのは嬉しいことだよ。Above and BeyondやArmin van Burenが私たちの曲をかけてくれていますが、ハウス出身の私にとっては大きな意味がありました。今後は、自分のオリジナル作品をもっとラジオで流したり、より多くの人に届くようなチャート作品を作ることを目指しています。自分の仕事を愛し、エネルギーと感情をすべて注ぎ込む情熱的な人たちと仕事ができるのは幸運です。そんな人たちと一緒に仕事ができる日は最高です。
これからもたくさんの作品がリリースされます。最近では、Anton Powers、Tobtok、Adam Griffinと一緒にPerfect Havocから「Loyalty」をリリースしました。1年ほど前に彼らと一緒にプロデュースして書いたもので、素晴らしいシンガーであるアレックス・ホスキングが参加しています。先月は、マイケル・グレイとの『Jump In』が同じくPerfect Havocからリリースされたし、テイスティ・ロペスとの『Love Together』がToolroomからリリースされたばかりだよ。
Toolroom Tech HouseはLoopmastersとLoopcloudで発売中です。
