アーロン・スイスが語る、Loopcloudサンプルを自身のオリジナルサウンドへと昇華させる方法

2026年8月18日

アーロン・スイスが、目的を絞ったLoopcloudでの検索によっていかに時間を節約し、サンプルを再構築してすべてのパーツを自身のプログレッシブな制作スタイルに適合させているかについて解説します。

アーロン・スイスは過去数年間にわたり、プログレッシブ・ハウスやメロディック・テクノに根ざした楽曲群を構築してきており、その制作上の選択の至るところに感情的な意図が表れています。ワシントンD.C.やボルチモアの周辺で育ち、その後タイのパンガン島へ拠点を移したスイスは、Outta Limits RecordingsのA&Rおよびレーベルマネージャーとしても活動しています。2019年にリリースされた「Legend」はBeatportのプログレッシブ・ハウス・チャートで2位を記録し、現在の音楽制作へと続く方向性を確立する一助となりました。Insomniacのアーティストバイオグラフィーでは、彼のキャリアの初期段階について取り上げられています。

彼の近年のリリース作品は、EinmusikやD-Noxとのコラボレーションを経てその基盤を拡張しており、2025年9月にはCitizen Kainとの「Colors」EPをリリースしました。2026年のリリースには、Enzo Voodとの「Relayered」や「Self-Actualization」などが含まれています。また8月にはMatan Caspiとの「Purple Tooth / Linear Chains」EPを発表し、コラボレーションと緻密な制作の選択によって定義されるカタログをさらに拡大させました。全体として、彼が今年だけでも極めて多作なペースで音楽をリリースする軌道に乗っていることは間違いなく、私たちは彼がどのようにしてこれほど高品質なトラックを効率的に生み出しているのかを解明したいと考えました。

私たちとの対談の中で、スイスは膨大なサンプルライブラリに音楽を決定づけられることなく、特定の素材をどのように検索しているかについて説明しています。彼は、パーカッション（Chus & Ceballosが常に着手する要素です）をリード素材へと変化させる方法、見つけたサウンドを素早いモジュレーションで変形させる方法、そして納得のいく結果が得られた段階で加工済みのサンプルをオーディオデータとしてレコーディング（確定）する方法について語っています。また、一見完成したように思える制作物から数週間離れることで、繰り返し聴くことによって覆い隠されていた欠けている素材がどのように見えてくるのかについても解説しています。

アーロン・スイスへのインタビュー

「Self-Actualization」に着手した当時、プロデューサーとしてのあなたはどのような存在でしたか？また、リリースの準備が整った時には、あなたの考え方はどのように変化していましたか？

これは興味深い質問ですし、私個人としてはトラックの制作からリリースまでの間にそれほど大きな変化がなかったため、答えるのが最も簡単な質問というわけではありません。プロデューサーとして私が直面する課題の一つは、常に新しい技術を学び、自身のサウンドやスキルを向上させ続けている点にあります。

自分が作るほぼすべてのトラックにおいて、最終的には制作をより良くするために「別の方法でできたかもしれない」と感じる点に行き着きます。音楽制作においては学習が途切れることはありませんので、楽曲を制作した後に、制作時点では持っていなかった知識を持ってそれを聴き返すというサイクルが延々と続きます。もしXやY、あるいはZのことを知っていれば、もっとうまくできたはずだと常に感じてしまうものなのです。

以前、未完成のトラックから一度離れることの重要性について語られていましたね。「Self-Actualization」において、その距離を置いたことがより良い決定を下すのに役立ったのはどのような時でしたか？

作品に息抜きの時間を与え、1週間ほど聴かずに置いてから戻ることが重要だと考えています。フレッシュな耳で再び聴くことで、何かが欠けているのか、あるいは自分の心が錯覚を起こしていただけなのかを判断できるようになります。ここで言う「フレッシュな耳」とは、その特定の制作物から一定時間離れた上で、再びそこに戻ってくることを意味しています。

実際に私はこのトラックを制作した際、当初はこれで完成したと考えていました。しかし、その後数ヶ月間放置し、時々戻っては確認を繰り返しました。そして最終的に中音域に物足りなさを感じたため、ノコギリ波（Sawtooth）のミッドベースを追加しました。それによってトラックが開花し、全体が満たされたのです。

Loopcloudの内部で検索する際、どのような検索語やタグ、あるいは音楽的詳細によって、発展させられる素材へと導かれることが多いですか？

私は多様な素材からアイデアを発展させることができるため、それは何を探しているかによって異なります。時にはパーカッションの素材を見つけ、グリッチ処理を施すことでそのループをリードへと変化させることがあります。また、ディレイを加えたりShaperBoxを使用したりすることもあります。

リードを探していて気に入ったものが見つかった場合は、リングモジュレーターを使用したり、1/32の周期でボリュームオートメーションを加えたりして、そのキャラクターを変化させることがあります。他のプロデューサーが同じLoopcloudライブラリを検索して見つけられるようなサウンドにはしたくないからです。

また、ボーカルやボーカルパッドに1/32や1/16のLFOを加えるのも好きで、それによって催眠的な効果が生み出されます。理想的には、人々がこれまでに聴いたことがないようなサウンドを作りたいと考えています。検索する際は「synth lead」や「mixed percussion」といった用語をよく使用します。また「vocal」でも検索しますが、そうした用語は通常、トラックを広げてくれる素材を見つけるのに役立ちます。

巨大なサンプルライブラリによって、トラックの方向性が勝手に決められてしまうのをどのように防いでいますか？

ほとんどの場合、私は自分自身の素材を打ち込むよう最善を尽くしています。オートメーションを多用するためドラムの打ち込みも好んで行いますし、後から処理を加える前にオリジナルの素材に対してオートメーションをかける方を好みます。

膨大なサンプルライブラリがあるからといって、自分の音楽の方向性が決められてしまうとは感じていません。通常は必要なものだけを検索するため、ライブラリはむしろ助けになっています。サンプルを見つけたことでトラック全体の方向性が変わってしまったことも過去にはありましたが、そうしたことは滅多に起こりません。

編集したサンプルをどのタイミングでオーディオデータとしてレコーディング（確定）しますか？また、なぜその時点で確定させることを好むのでしょうか？

編集したサンプルには、十分な処理が施され、意図した通りの結果が得られた段階でオーディオとして確定させます。その特定の素材に対する作業が完了したと感じたら、レンダリング（オーディオ化）を行います。

また、モジュレーションや処理が変化し続けている時に、特定の一つのバージョンを正確にキャプチャしたい場合にもレンダリングを行います。オーディオに変換することでその結果が保存され、確定したレコーディングデータとして作業を継続できるようになります。

空のプロジェクトでLoopcloudを開き、必要なものが分からないままブラウジングを始めるプロデューサーに対して、どのようなアドバイスをしますか？

まずは、自分を心を動かすグルーヴを構築することから始めるよう勧めます。そこで適切な感触を得られたら、互いに語り合うようなシンセやリードを使って、トラックの魂となる部分を発展させ始めることができます。

その上に要素を重ねすぎないうちに、土台をしっかりと確立させることが重要だと考えています。自分を突き動かすものから始め、それから自分に何かを感じさせてくれる方向へと進んでいくのが良いでしょう。

そこから得られる最大の教訓とは？

スイスのプロセスは、一つの重要なレッスンを示しています。それは、膨大なサンプルカタログを利用できるからといって、明確な意図を持つ必要性がなくなるわけではないということです。彼は明確な音楽的役割を念頭に置いて検索を開始し、見つけた素材を変形させ、そのパーツが制作において役割を果たした時点でブラウジングを終了します。また、一見完成したように見えるトラックであっても、欠けている要素が明確になるまで時間をおく必要があるということも受け入れています。実験と決定の間のこのバランスこそが、ライブラリに音楽をコントロールさせることなく、それを有効活用し続ける鍵となります。

Loopcloudは、無関係なフォルダを開く代わりに「mixed percussion」や「synth lead」といった直接的な用語で検索できるようにすることで、そのプロセスをサポートしています。適切なソース素材が見つかれば、彼はオートメーションやモジュレーションを用いてその役割変化に時間を費やすことができます。Loopcloudは検索と制作を結びつけ続ける整理されたカタログを提供し、完成したパーツがどうなるかはスイス自身が決定します。ぜひあなた自身も、こちらから14日間の完全無料体験をお試しください。

現代の音楽制作において、膨大なサンプルデータにアクセスできる利便性は、時にクリエイターの個性を覆い隠してしまう刃にもなり得ます。しかし本記事におけるアーロン・スイスのアプローチは、テクノロジーに使われるのではなく、明確な「完成図の意図」を持って道具を支配する重要性を提示してくれます。音素材をそのまま使うのではなく、破壊的な加工や綿密なオートメーションによって独自の音響へと再構築する姿勢こそが、プログレッシブな制作において真のオリジナリティを生む源泉でしょう。また、あえて作品から時間を置く客観性も含め、効率化が進むDTM時代において私たちが忘れがちな「聴く耳の鮮度」と「職人的なこだわり」のバランスを深く再考させられる素晴らしい内容だと感じます。