Loopcloud上のL’CORE、Poco Loco、そしてグルーヴを際立たせるサンプル選び
2026年10月8日
L’COREが、Eran HershやNATKOと共に手掛けた『Poco Loco』において、パーカッションの選定から迅速なサンプルの意思決定に至るまで、Loopcloudがどのように楽曲の制作を支えたのかを語ります。
L’COREの最新リリース曲である『Poco Loco』は、Eran HershおよびNATKOとのコラボレーションによって誕生した作品であり、パーカッション、躍動感、そしてクラブで即座に機能することを重視して作られたラテン・ベース・ハウスのレコーディングです。L’CORE自身のレーベルであるLate Exitからリリースされたこのトラックは、ヨーロッパの4つ打ちによる力強いプレッシャー、ムーンバートンにインスパイアされたリズム、そしてスペイン語のボーカルが持つエナジーを取り取り入れていますが、各パーツがただ積み重ねられているのではなく、お互いにしっかりと結びついているからこそ素晴らしい仕上がりとなっています。この絶妙なバランスこそが、サンプルの選定についての議論を始めるにあたり、非常に分かりやすい格好のテーマとなっています。
このレコーディングはグルーヴからスタートしており、アレンジが本格的に展開する前にパーカッションがトラックのアイデンティティの大半を担っているため、このプロセスは極めて重要となります。L’COREは単にレーベルのタグだけを頼りにサンプルを探していたわけではなく、そうした言葉が求めているイメージに一致しているという理由だけで、ラテンやムーンバートンの要素を制作へ無理に落とし込もうとしたわけでもありませんでした。彼は、動きを生み出す素材、アクセントを加える素材、そして楽曲に不可欠な人間味のあるニュアンスをもたらす素材といったように、それぞれ異なる役割を果たす素材に耳を傾けていました。
Loopcloudはそうした制作プロセスに非常によくフィットします。共同制作をするメンバー同士が、あとでそのサウンドが曲中でどう機能するかを頭の中で想像するのではなく、プロジェクト内部で実際のサウンドを試聴できるため、初期段階における意思決定のスピードが格段に上がります。サンプルを適切なテンポかつ正しい文脈でテストできるため、そのサウンドがキックやベース、パーカッションをサポートしているのか、あるいはそれらと衝突してしまっているのかをスタジオ全体で素早く判断できるようになります。以下のインタビューにおいて、L’COREは『Poco Loco』がどのように形作られていったのか、パーカッションを探す際の思考法、そして適切なサウンドを厳選して数を絞ることが、無駄なレイヤーを追加するよりもいかに楽曲のアイデンティティを明確にするかについて語っています。なお、 Loopcloudの14日間無料トライアルを利用することで、これらと同様のワークフローを完全無料で体験していただくことが可能です。
『Poco Loco』の方向性を決定づけた最初のサンプル、あるいはレコーディングされた素材は何でしたか？
『Poco Loco』はグルーヴから始まりました。パーカッションとラテンのニュアンスの適切な組み合わせが見つかった時点で、このトラックにはすでに独自の個性が備わっていることが分かっていたため、それ以上に音を詰め込みすぎないように意識しました。
私たちは体に響くような力強さがあり、ダンスフロアを揺らすようなものを求めていましたが、同時に少し遊び心があり、思いがけないような展開も取り入れたいと考えていました。そこからベースやボーカルの素材が自然と噛み合い始めて行きました。私にとって、本格的なアレンジが入る前の段階でグルーヴによって体が動き出すのであれば、すでにトラックの頑丈な土台ができあがっているという証拠になります。
このトラックはラテン・パーカッション、ムーンバートンにインスパイアされたリズム、そして4つ打ちの土台を融合させています。これらの要素を自然につなぎ合わせるサンプルを、どのように選定していったのでしょうか？
私たちは、単に「ラテン」や「ムーンバートン」というタグが付いているからという理由だけでサンプルを選んでいたわけではありません。グルーヴのポケットに自然と収まり、それぞれが明確に異なる役割を果たすような素材を探していました。
動きを生み出す素材もあれば、アクセントを加える素材もあり、トラックが必要としていた人間味をもたらす素材もありました。サンプル単体としては素晴らしい音であっても、キックやベースと干渉してしまうのであれば、そのレコーディングに使うべきではありません。目指していたのは、これらすべての影響を、異なるジャンルを単に重ね合わせたものではなく、ひとつの共通言語のように感じられる仕上がりにすることでした。
パーカッションを探す際、楽器の名前、地理的な地域、ジャンル、あるいはトラック内で果たすべき役割のどれを基準に検索していますか？
私は通常、そのサウンドが果たすべき役割から探し始めます。特定の楽器名よりも、動き、緊張感、スウィング感、そして空間といった観点で思考を巡らせています。
時には地域やジャンルで検索することで、普段なら考えもしないような素材に出会うことがあり、それが全く新しい方向性を切り開いてくれることもあります。ただ、一度プロジェクト内に配置してしまえば、それがどこから来たものかは気になりません。重要視しているのは、それがグルーヴにどのような影響を与えるかということです。もしトラックの動きが良い方向へ変わるのであれば、その選択は正解だったと言えます。
Loopcloudを使用すると、進行中のプロジェクトに合わせて直接サンプルを試聴できます。この機能は、コラボレーションの初期段階における意思決定をどのように向上させてくれるのでしょうか？
コラボレーションにおいて、勢いがすべてです。プロジェクト内部で、適切なテンポかつ実際の文脈の中で即座にサンプルを試聴できるため、全員が「どう機能するか」を頭で想像するのではなく、まったく同じアイデアに対してリアルタイムにリアクションできるようになります。
これにより、意思決定が非常にスピーディーになり、直感的になります。あらゆるアイデアをダウンロードして編集し、整理するためにクリエイティブな流れを中断する代わりに、リアルタイムで試して作業を進め続けることができます。特にトラックの制作初期においては、そのスピード感こそがインスピレーションの瞬間を捉えられるか、それとも逃してしまうかの運命の分かれ目となります。
何百ものサンプルを保存していながら、完成したトラックに本当に必要な数少ない素材を選ぶのに苦労しているプロデューサーに対して、どのようなアドバイスを贈りますか？
「どのサンプルが一番優れているか」と考えるのをやめて、「このトラックが本当に必要としているサンプルはどれか」と問い始めることです。
これらは全く異なる二つの問いです。
すでに特定の役割を果たしている素材が存在する場合、ほぼ同じような役割を持つ別のサウンドを追加しても、大抵はそれぞれのパーツの存在感を弱めてしまうだけです。私は素早く決断を下し、音を削ぎ落とした状態でもトラックがしっかり機能するかどうかをテストするのが好きです。多くの場合、レコーディングのアイデンティティというのは、選び抜かれた適切な素材がどれだけ絞り込まれて残っているかによって決まるのです。
『Poco Loco』の制作を終えて、コラボレーターの皆さんはサンプルの選定、ボーカル処理、あるいはパーカッションのプログラミングに対するアプローチにおいて、それぞれ新たな気づきを得られましたか？
コラボレーションの最も素晴らしい点の一つは、他のアーティストがどのように判断を下すかを間近で見られることです。『Poco Loco』では、私たち全員が少しずつ異なる直感と感性を持ち寄ったことで、全員が細部に対する聴き方を深めることができました。
私にとっては、エナジーを生み出すために大量の音を追加する必要はないという考えが改めて補強されました。時にはボーカルやパーカッションの素材の微かな変化や、空間の使い方ひとつで、トラックの表情が完全に変わることがあります。また、自分のアイデアを主張すべきタイミングと、自分では思いつかないような方向へ他のメンバーに委ねるべきタイミングを学ぶこともできます。
それは、この楽曲の制作以降に手掛けた数々のプロダクションにも脈々と受け継がれている大切な学びです。
L’COREとの対話を終えて
L’COREのアプローチから得られる最大の教訓は、サンプルの選定はプロデューサーのエゴを満たすためではなく、常にトラックの必要性に従うべきだということです。
『Poco Loco』が成功している理由は、パーカッション、ボーカルパート、そしてベースのすべてに明確な役割があり、グルーヴに十分な個性が生まれた後は、無駄にサウンドを追加し続けなかったことにあります。これは、何百ものサンプルを保存しながらも、最終バージョンにどれを残すべきか悩み続けているプロデューサーにとって、非常に重要な視点となります。
Loopcloudは、確定させる前に進行中のプロジェクト上でアイデアを直接試す環境を提供することで、この問題を解決してくれます。あらゆる可能性をダウンロードし、あとでファイルを整理し、セクションに配置したときに音が馴染むことを祈る代わりに、実制作中のトラック（オケ）と合わせてサンプルを試聴し、再生しながら迅速な判断を下すことができます。これによりコラボレーションの勢いが維持され、各サンプルに対して「グルーヴを向上させているか」「アイデアをサポートしているか」「このレコーディングに残る価値があるか」というシンプルなテストを課すことができるのです。
無限の選択肢がある現代の音楽制作において、「音を足すこと」よりも「音を削ぎ落とすこと」にこそプロデューサーの真価が問われると深く実感させられます。タグやジャンルという記号にとらわれず、そのサウンドがグルーヴの中でどのような「役割」を担っているかを厳しく見極める姿勢は、誰もがDTMで自由に音楽を作れる現代における必携の美学と言えるでしょう。また、頭の中で理想の鳴りを想像する時間を減らし、Loopcloudのようなツールで瞬時にプロジェクト内で試聴して直感的に判断していくワークフローは、制作の勢いをとめないために極めて実践的です。引き算の美学とスピード感ある意思決定こそが、洗練されたトラックを生み出す鍵であると確信します。
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