House Of Loopのレーベルボスが語る、優れたサンプル制作に必要な才能とは

2 日前
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2026年5月5日

彼のハウスミュージック中心のサンプルパックがどのように構成されているのか、そして他のアーティストにクリエイティブな主導権を委ねることについて、その舞台裏に迫ります。

世界のエレクトリック・ミュージック業界の舞台裏に飛び込んでみましょう。スタジオの先、そしてヨーロッパで最も尊敬を集めるダンスフロアの外側から、このインタビューはHouse Of Loopを動かす原動力へのユニークな視点を示し、実際のクラブ経験と観客を動かすものへの深い理解によって形作られたキャリアを探ります。理論的に優れているだけでなく、最も重要な場所、つまりダンスフロアで結果を出すサウンドを制作することについて、このレーベルボスでありサウンドデザイナーの理念に深く入り込みます。

「私は14歳でDJとして旅を始めました」と、多才なアーティストは語ります。「18歳になるまでには、ヴェネツィア・リヴィエラのアンダーグラウンド・クラブでレジデントとしてプレイしており、長年にわたり世界中の多くの確立された国際的なアーティストたちとブースを共有する機会に恵まれました。」

「22歳からは、ゲストDJとしてヨーロッパやアメリカの一部をツアーし始め、ベルリンにも住んでおり、そこでレジデントを務め、Club der VisionaereやKitKatClubをはじめとするシーンの数多くの象徴的な会場で定期的にプレイしていました。」

「イタリアのAltavozや、ロンドンとイビサのMagna Cartaといった主要なイベントでもレジデントを務め、さらにアーティストとしてのキャリアと並行して、一時期はMeduzaのツアーマネージャーとしても働き、別の視点から国際的な電子音楽業界への洞察を深めました。」

「2016年にDJ活動からは退きましたが、音楽制作への注力は続け、私の旅において常に中心的な部分でした。」

「長年にわたり、私はSaved（Nick Fanciulli）、Cecille（Nick Curly）、Area Remote（2000andOne）、Defected、Get Physical Musicなど、多くのレーベルから音楽をリリースしてきました。私がサンプルパック制作に移行したのは、この制作の背景から自然な流れでした。」

House Of Loopのパックを定義する全体的な原則はありますか？

「House Of Loopのすべてのパックの背後にある核となる原則の一つは、実作業での使いやすさ、特に、実際のクラブでの使用を想定した実用性です。DJとしてもツアーのプロフェッショナルとしても活動してきた私の背景は、理論だけでなく実践において、何がダンスフロアで実際に機能するのかという深い理解を与えてくれました。」

「世界中のクラブやフェスティバルでプレイし、ツアーマネージャーとして舞台裏でも働いてきた経験から、トラックが大型サウンドシステムや異なる環境でどのように響くのかを直接体験してきました。その視点は、サウンドを作成する際に私がスタジオのワークフローに直接持ち込んでいるものです。」

「人々は常に、クラブ主導のサウンド、非常に実践的な制作へのアプローチ、そして実際にDJやライブの現場で機能しながら、素早くアイデアを刺激するように設計されたツールを期待できます。」

「私のパックが他と一線を画しているのは、それがこうした実際の経験から構築されている点です、機能しない抽象的すぎるサウンドや実験的なサウンドには焦点を当てません。すべてが効果的で、パンチがあり、ミックスですぐに使えるように設計されています。」

ワークフローにおいて、どのDAW、プラグイン、ハードウェアが不可欠であり、その理由は何ですか？

「Ableton Liveは常に私のワークフローの中心にあります。高速で柔軟性があり、私がアイデアを構築し、トラックをアレンジし、サウンドを設計する方法に完全に適しています。特に複数のアイデアに取り組んでいたり、サンプルパックのために大量のコンテンツを作成しているとき、このツールが実現するスピードは私にとって不可欠です。」

「プラグインに関しては、Xfer RecordsのSerumが間違いなく私のメインツールです。その汎用性と精密さから、サウンドデザインの大半でこれを使用しています。長年、多くの異なるシンセやバーチャル・インストルメントを使ってきましたが、一つのツールを深く知ることの方が、多くのツールを表面的なレベルで使うよりもはるかに強力であると実感しています。Serumを使えば、ベースやリードからテクスチャ、より実験的なサウンドまで、必要なもののほとんどを作成できます。」

「とはいえ、完全に制限を設けているわけではありません。特定のジャンル、特にクラシックやオールドスクールなハウスサウンドに取り組むときは、より本格的なキャラクターを捉えるために、ビンテージ楽器のシミュレーションを使用することもあります。その場合、重要なのはサウンドそのものだけでなく、そのスタイルの本来の美学と音のアイデンティティを尊重することです。」

「全体として、私のワークフローは効率性、少数の主要ツールに関する深い知識、そしてアイデアを完成した使用可能なサウンドに素早く変換する能力に基づいており、このアプローチこそ、私のサンプルパック制作にもそのまま活かされています。」

サウンドデザインにはどのようにアプローチしますか。明確なコンセプトや目標を持って始めますか。それとも、ただ演奏して何が出てくるかを見ますか？

「私のサウンドデザインへのアプローチは、純粋な実験よりも明確な方向性から始まることがほとんどです。前述したように、私の目標は、現在のトレンドや電子音楽の進化に常に合致したパックを作成することです。」

「私は、その時々でクラブや現代の制作現場で機能しているサウンドに細心の注意を払っており、それを開始点として使用しています。これにより、的確で関連性の高いサウンドを設計でき、プロデューサーに現在の音の情勢を把握し続けるために必要な素材を提供できます。」

「とは言え、常にバランスがあります。明確な目標を持って始めますが、プロセス中には依然として創造性や探求の余地があり、最高のサウンドの中にはアイデアを洗練させる過程での予期せぬ変化から生まれるものもあります。」

「最終的には、方向性と実験の組み合わせですが、常にモダンで使いやすく、今日の制作現場にすぐにフィットするサウンドを提供することに強く焦点を当てています。」

クラシック・ハウスにおいてボーカルは非常に重要です。あなたの意見では、何が良いボーカルパックを作るのでしょうか？

「私の考えでは、良いボーカルパックとは、感情、使いやすさ、そして透明感のバランスがすべてです。」

「クラシック・ハウスにおいて、ボーカルはトラックの上に添えるだけの素材ではなく、多くの場合、メインのフックであり、制作の感情的な核心です。そのため、品質とパフォーマンスが不可欠です。ボーカルは本格的で、優れたパフォーマンスであり、トラックのアイデアを即座に刺激するほど表現豊かである必要があります。」

「同時に、プロデューサーの視点からは、使いやすさも同様に重要です。良いボーカルパックは整理が行き届いており、レコーディングがクリーンで、適切に処理されたステムが含まれ、さまざまなアレンジに簡単にフィットするフック、アドリブ、チョップといったバリエーションがあるべきです。」

「また、汎用性も大きな役割を果たしていると思います。プロデューサーはボーカルを取り出し、そのアイデンティティを失うことなく異なるスタイルやテンポに適応できるべきです。そのため、ドライと加工済みの両方のバージョン、そして異なる強度やフレージングのオプションを持つことが非常に重要です。」

「最終的に、強力な優れたボーカルパックは時間を節約し、即座にアイデアを刺激し、単なるフレーズの集まりではなく、完全なクリエイティブ・ツールのように感じられるべきです。」

DilbyやTripio Xといったアーティストといくつかのパックをリリースしていますが、これらを取りまとめる際にどの程度関与していますか。それともアーティストにやりたいように任せていますか？

「DilbyやTripio Xのようなアーティストとパックに取り組む際、私は詳細なクリエイティブ・プロセスをコントロールするのではなく、全体的な方向性と技術的なガイドラインを提供する役割を担うのが通例です。」

「品質基準、サウンド構造、使いやすさの面で明確な枠組みがあること伝え、技術的な一貫性、ミックスのバランス、プロデューサーによってコンテンツがどのように使用されるかといった要素を確認します。これにより、すべてのパックがプロレベルを満たし、実際の制作ワークフローに適合することが保証されます。」

「しかし、サウンドやアーティストとしてのアイデンティティに関しては、常にアーティストに完全なクリエイティブの自由を残しており、それぞれのプロデューサーやDJがプロジェクトに独自のビジョンを持ち込むべきだと強く信じています。なぜなら、それこそがパックに唯一無二の性質と本格的な感覚を与えるものだからです。」

「つまり、要約すれば、私はプロジェクトの技術的および機能的な側面を導きますが、芸術的な方向性は常にアーティストのものです、そのバランスこそが、コラボレーションを成功させているのです。」

あなたが始めてから、機会や課題という点で音楽業界はどのように変わりましたか？

「音楽業界は私が始めてから特にアクセシビリティと競争という点で劇的に変化しました。」

「一方で、今日でははるかに多くの機会があり、独立して音楽をリリースし、世界中の視聴者に届け、従来のレーベルに完全に依存することなく存在感を築くことがはるかに容易になりました。制作と流通のためのツールはこれまで以上に利用しやすくなっており、参入障壁は下がっています。」

「もう一つの大きな変化は、トレンドのスピードです。サウンドは今やはるかに速く進化しており、アーティストは自分自身のアイデンティティを失うことなく、シーンで何が起こっているかを意識し続ける必要があります。」

「その一方で、これは競争のレベルが極めて高いことも意味しています。毎日圧倒的な量の音楽がリリースされており、目立つことはより難しくなっています。多くの点で、課題は「どうやって音楽をリリースするか」から「どうやってノイズを切り裂くような何かを実際に作成するか」へとシフトしました。」

今日から始めるアーティストに何を勧めますか？

「私の一番のアドバイスは、手っ取り早い結果を追い求めるのではなく、一貫性とアイデンティティに焦点を当てることです。ツールを深く学び、自分のサウンドを理解し、明確な芸術的方向性を開発することに時間を費やしてください。同時に、もしDJやレーベルに届けたいのであれば、自分の音楽が現在のシーンに対して機能的で関連性のあるものになるようにしてください。」

「結局のところ、長く続くアーティストとは、アーティストとしての独自の感性とダンスフロアで確実に機能する実用性での使いやすさを組み合わせることに成功した人々です。」

AIは音楽にとって脅威だと思いますか、それともクリエイティブなツールですか？あるいはその両方でしょうか？

「私はAIを脅威というよりはクリエイティブなツールと見ていますが、どんな技術でもそうであるように、どのように使われるかによります。」

「ポジティブな面として、創造的なプロセスの特定のパートをスピードアップしたり、アイデアを生成したり、より技術的で時間がかかる作業をサポートしたりするのに間違いなく役立ちます。その意味で、創造性に取って代わるのではなく、可能性を広げるアシスタントとしてプロデューサーにとって有用になり得ます。」

「同時に、音楽は依然として本質的にセンス、感情、意思決定に関するものです。それらの要素は経験と個人的なビジョンから来るものであり、有意義な方法で自動化することは実際にはできません。そのため、私はAIが音楽制作の核心である人間的な部分に取って代わるとは考えていません。」

「真の価値は常に、アーティストがどのようにツールを使用するかにあり、ツール自体にではありません。私にとって、それは単なる別の楽器であり、どんな楽器でもそうであるように、誰が背後にいるかによって良くも悪くもなり得るのです。」

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今回のインタビューを通じ、改めて「プロフェッショナルとは何か」を深く考えさせられました。彼が強調する「現場での即戦力」という哲学は、単なる機能的なツール作りを超え、ダンスフロアという過酷な現場で揉まれた者だけが持つ『こだわり』のように感じます。

どれほど高度な技術や最新のAIが登場しようとも、最後に勝敗を分けるのは、作り手の「明確な意図」と「実体験に基づいた感性」です。流行を追うだけでなく、自分の核となるアイデンティティを確立し、それを現場のニーズと結びつける。この絶妙なバランス感覚こそが、移り変わりの激しい電子音楽シーンで長く愛されるアーティストの唯一の生存戦略なのだと確信しました。